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Soy Rogelio Macías-Sánchez, de tantos años ya, que se me permite no decir cuántos. Soy mexicano y vivo en México país, médico cirujano de profesión, neurocirujano y neurólogo de especialidad. Ahora y por edad, soy neurólogo y neurocirujano en retiro. Soy maestro de mi especialidad en la Facultad de Medicina de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo y un entusiasta de la difusión de la ciencia a la comunidad. Pero eso no es toda mi vida. Soy un amante fervoroso de la música clásica, actividad que fomento desde mi infancia. La vivo intensamente y procuro compartirla. Soy diletante en vivo y mucho disfruto, de la música grabada, mejor cuando es en compañía de almas gemelas para esto. Finalmente, amo la vida y la disfruto. Parte de ello es comer bien y beber mejor, es decir, moderado pero excelente. De aquí mi afición a los vinos y las cavas. Los conozco, los disfruto y me entusiasma compartir lo que conozco y lo que me gusta. Esta página pretende abrir una comunicación sobre los vinos, la música clásica y la neurología para profanos. Si es socorrida, el mérito será de ustedes. Diciembre de 2022

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lunes, 9 de noviembre de 2026

LA MÚSICA COMO LENGUAJE.

 






He dicho de las equivalencias entre la música y el lenguaje verbal, recordando que un sonido en la música es comparable a un fonema, un melisma es lo que una sílaba, un motivo es una palabra y un tema es una frase. Y así como el lenguaje verbal tiene áreas determinadas en el hemisferio izquierdo del cerebro para integrarse, entenderse y emitirse, la música también las tiene en el hemisferio derecho.
                                 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Pero ¿qué dice la música?, le preguntaron sus hijastros a María en aquella deliciosa comedia musical y filme cinematográfico que se llamó La Novicia Rebelde. Entonces ella le puso palabras a la música y los niños entendieron. Pero eso no es el lenguaje musical, es el de las palabras, dichas en un tono y acompañadas por una melodía y un ritmo. El lenguaje de la música no necesita vocablos. Cuando los usa, tal arte se llama canto y su mensaje es verbal.

El mensaje musical más fácil de entender es el de la música programática, es decir, aquella que quiere expresar con sonidos musicales, imágenes visuales o ideas. Por  supuesto que el autor tiene que decir, en el título de la obra o en alguna nota aparte, que significa su música, pues salvo la imitación de sonidos de la naturaleza o los disparos de cañones, nadie puede decir con música que el cielo es azul o que el autor es desdichado.

La música de programa es reciente; no hay evidencia de ella antes del siglo XVI. En la época barroca hay que recordar principalmente a Vivaldi, con su muy famoso ciclo de conciertos Las Estaciones. Cada uno de ellos trata de describir el paisaje y el estado de ánimo en la Primavera, el Verano, el Otoño y el Invierno. Entendemos el mensaje, pero porque conocemos el título y hay quien conoce los sonetos descriptivos de cada obra. En sus conciertos de flauta La Tempestad de Mar o El Pinzón, imita sonidos de la naturaleza.

Durante la época clásica no se dio bien la música de programa y los nombres que tienen las sinfonías de Haydn fueron arbitrariamente puestos por sus editores, que no por él. La Sinfonía No. 45, "Los Adioses", dijo algo en un momento determinado, pero no con las notas, sino con la salida progresiva de los músicos. Es cierto que Beethoven hizo música de programa y el mejor ejemplo es su Sinfonía Pastoral, pero entonces ya era un romántico.

Pues es en la romántica, pero no en la temprana, cuando esta música cobra su auge mayor. Es la época de los sueños de amor, de las músicas incidentales, de las sinfonías fantásticas, de las flores que algo le dicen a Mahler y de ese colmo y cumbre de la música de programa que es Cuadros de una Exposición de Mussorgsky. Y tanto la hemos oído, que creemos poder trocar a nuestro lenguaje el de la música y así saber si un autor era feliz o desgraciado cuando escribió tal o cual obra.

Pero eso no es posible. La música absoluta, que es la mayoría de la música de arte, no se puede traducir a lenguaje verbal. ¿Que quiere decir esa música? le preguntaron a Beethoven acerca de su Sonata Opus 57. Como única respuesta se sentó al piano y tocó los ochos primeros compases. Es que la música no es un relato, no es una pintura, no es una filosofía. Por ser una forma especial del pensamiento, la música nada puede expresar fuera de sí misma. Cuando así lo entendamos, habremos llegado a ella, más allá de la fe y de la razón; con el sentimiento.

lunes, 2 de noviembre de 2026

DEL RÉQUIEM DE VERDI







Giuseppe Verdi
(1813 - 1901)





La noche del pasado viernes 30 de octubre nos apersonamos en la Sala Tlaqná en la ciudad de Xalapa, para asistir, una vez más en mi vida, a una audición del Réquiem de Giuseppe Verdi, en esta ocasión presentado por la Orquesta Sinfónica de Xalapa, la Camerata Coral de la Facultad de Música UV, el Coro Universidad Veracruzana  y los solistas cantantes Angélica Alejandre, soprano; Gabriela Flores, mezzosoprano; Gilberto Amaro, tenor; y Genaro Sulvarán, barítono. Todos bajo la dirección del maestro Martin Lebel.

Cuando digo "una vez más en la vida", es de buena fe, pero la verdad es que no recuerdo ni cuando ni donde fue la primera; debe haber sido hace muchísimos años, de soltero yo todavía, pues mi esposa no me acompañó y ya andamos en sesenta años matrimoniados, siempre acompañados en estos eventos. Tengo la sensación de que ya lo había escuchado en vivo, pero ahora me entra la duda fuerte. De todos modos es lo mismo; ahora estuve en la Sala Tlaqná, con mi esposa y mi hija, y disfrutamos de un evento de calidad suprema, que no puede ser mayor ni más emotivo en este momento en ningún otro lugar del mundo.

¡Gracias a la vida, que nos lo permitió!

Un réquiem es una misa o composición musical dedicada a los difuntos, generalmente en el contexto de una ceremonia religiosa. La palabra proviene del latín "requiem", que significa "descanso", y hace referencia a la oración por el descanso eterno del alma de los fallecidos.
En la música clásica, el réquiem es una obra coral y orquestal que sigue una estructura litúrgica específica, basada en la Misa de Réquiem de la Iglesia Católica. Esta estructura incluye textos tradicionales en latín, como Introitus, Kyrie, Dies Irae, Sanctus, Agnus Dei y Lux Aeterna.
A lo largo de la historia, muchos compositores han creado réquiems. Aunque su propósito original es religioso, muchas veces las obras adquieren una dimensión emocional profunda que va más allá de la liturgia. Tal es el caso, casi extremo, de la Messa da Requiem (1874) de Giuseppe Verdi, que a través de sus siete movimientos: Requiem y Kyrie, Secuencia, Ofertorio, Sanctus, Agnus Dei, Lux aeterna y Libera me, nos lleva hacia sentimientos profanos y heroicos tales, que impidieron que la Messa da Requiem de Verdi se usara alguna vez para oficio  religioso alguno; siempre fue profano y bellísimo. Aunque muchas veces se presenta en iglesias, nunca se ha usado para oficios religiosos. Fue escrito en homenaje a su amigo y compatriota Alessandro Manzoni, que, como Verdi mismo, estaba muy comprometido con la unidad de Italia y que había fallecido un año antes.

Hasta aquí por hoy.







































jueves, 29 de octubre de 2026

INTERMEZZO 138

 












Abre esta entrada una fotografía consentida.









Aunque la planta no se dio como la consentida que esperábamos, la fotografía, por interesante, salió al rescate al final.



























































-¿Cuanto consumí de luz este mes por embellecer la entrada de esta casa?






















































A un patiecito que da a mi recámara, se metió hace unos días la Luna y no  sale de ahí.







Flores del pasto, para cerrar.
































lunes, 26 de octubre de 2026

DEL PÚBLICO DE LA MÚSICA

 






Orquesta Sinfónica Nacional de México

Hace muchos años escuché una frase de un afamado director de orquesta sinfónica; dijo que "una buena orquesta necesita de un público estable". Esa frase me dio vueltas en la cabeza por mucho tiempo hasta que preparé esta entrega para ustedes, mis lectores modernos.

Si un público estable es necesario para una orquesta sinfónica, ello implica que el público es necesario para que se dé la música; así es. La música, como todo el arte, es un sistema mensajero con un gran contenido de ideas que se generan en un emisor (el autor) para incidir en un receptor (el público). En la música, como en la poesía y en el teatro, hay un intermediario, el intérprete. La música es un arte que se da en el tiempo, no en el espacio y, por lo tanto, es muy sutil y poco objetivo. La música finalmente se hace y sólo existe en la mente del receptor. Nadie puede verla, tocarla o sentirla. De una obra, por larga que sea, solamente se escuchan unos segundos en forma simultánea. Con estos instantes de actualidad, el recuerdo de lo recién escuchado y la expectativa de lo que viene es con lo que se hace la música. La música, finalmente, la hace el público, como fenómeno personal o colectivo.

Entonces, un buen público que haga una buena música en su intelecto colectivo, hará mejores a las orquestas que escucha, las que serán cada vez más exigidas pero también más queridas, pues se habrá caído en un círculo virtuoso de calidad, gusto y emoción crecientes. Todos hemos tenido la experiencia de lo diferente que suena una orquesta con un buen público y con uno que no lo es. El mal público, que es el indiferente a las emociones e ideas que ofrece la música y que no la sabe respetar, hace de su orquesta un grupo apático y conformista, que sin exigencia crítica cae facilmente en la mediocridad y casos se han dado en que acaban por desaparecer.

Si somos capaces de exigir cualidades a una orquesta o a un conjunto de música de cámara, debemos procurar buenas cualidades como público. No es cualidad necesaria saber o "entender" de música, pues el ser oyente no es una profesión u oficio que deba ser aprendido para ser bien ejercido. Es esencial, si, el exponerse frecuentemente a ella con el ánimo dispuesto y la sensibilidad abierta a los mensajes o emociones que nos pueda ofrecer y no buscar en la música sólo distracción o diversión.

Desde luego, es indispensable un respeto absoluto a la música y a los intérpretes, evitando cualquier molestia a ellos o a compañeros del mismo público. En este sentido, el silencio y la quietud son esenciales. Recuerdo una reflexión que alguna vez me hizo el maestro Víctor Manuel Cortés, distinguido violonchelista mexicano. Me decía: "El puente de comunicación que se establece entre el intérprete y el público es como un fino cristal de Baccarat, de enorme belleza pero también muy delicado y frágil. Cualquier cosa, el ruido de una cortina que se corre con impertinencia, el destello de un fotógrafo despistado o el transcurrir por los pasillos de alguien que llegó tarde a la función, puede romperlo. Y como una linda pieza de Baccarat, lo podrás pegar, pero nunca quedará como antes".

Una última recomendación: Si la música que escucharon les emocionó o simplemente les gustó, no escatimen los aplausos de reconocimiento y gratitud a los artistas, pero no aplaudan por compromiso si no les gustó. Esta es una retroalimentación básica para la superación de cualquier conjunto de música clásica.

Si una orquesta presume de ser la mejor del mundo, es que tiene el mejor público del mundo; y de una mala orquesta, es corresponsable un mal público.


Orquesta Sinfónica de Xalapa






lunes, 19 de octubre de 2026

LA MÚSICA COMO ARTE BELLO















"Sin música, la vida sería 

un error"    


Friedrich Nietzsche

(1844 - 1900)



La música puede entenderse como una forma de expresión de la belleza o como un lenguaje, queriendo  significar con esto un código para transmitir ideas. El primer concepto es discutible, dado que la belleza es un fenómeno subjetivo y que el segundo no siempre es fácil de entender. Pero también sé que la mayoría de las veces la música, como la poesía, conjuga las dos funciones, usa los sonidos para comunicar ideas en forma bella.

Y si hemos tocado la poesía como comparación de la música, diremos que manejan elementos similares y así, un sonido en la música equivale a un fonema del lenguaje verbal. Un melisma en la música es lo que una sílaba en las letras, un motivo es una palabra y un tema es una frase. Las formas musicales, el lied, la sonata, cualquier forma de danza, un scherzo o un rondo, corresponden a las formas poéticas establecidas, como el soneto, las décimas, etc.; y las formas libres, las fantasías de la música, pueden compararse al verso libre, sin métrica ni rima, pero con ritmo.

Porque el ritmo es el elemento primero de la poesía y de la música; y si digo primero es porque a la poesía le es indispensable y porque la música nació como ritmo, al que después se sumaron los otros elementos del edificio estético: la melodía, la armonía y la dinámica.

La música, como el lenguaje verbal, nació antes que el concepto de belleza, que es una abstracción que los lenguajes han permitido a la inteligencia. Surgió como una necesidad social para acompañar a la magia, forma de pensamiento que dominó a los grupos humanos primitivos. Pronto se le asoció la danza tribal. Esta forma de música, exclusivamente rítmica, sigue cumpliendo su función y se le escucha en las ceremonias mágico-religiosas de pequeños grupos étnicos no desarrollados, en todos los continentes, excepto Europa.

Cuando al elemento rítmico se le agregó la palabra, la música se enriqueció con la melodía. Para entonces, el hombre había salido de la magia y entraba a la religión y a la filosofía. Se creaban las abstracciones, entre ellas, la belleza. La danza también dejó de ser mágica y se convirtió en un placer estético, que la hizo muy variada. Se multiplicaron los ritmos que posteriormente se sistematizaron en una escala de tiempos, desde el grave, el más lento, hasta el prestissimo, el más rápido. La melodía, digamos el sentimiento, requirió de la voz para su aparición, pero después la música pudo crearla con otros instrumentos y abandonar la voz humana, máxime cuando esta ya no se daba a entender porque la polifonía, superposición de varias voces, lo hacía imposible. Estamos hablando del siglo XII en el mundo occidental.

Diferentes voces, vocales o instrumentales, se colocaron a diferentes alturas de la escala de los tonos y el músico se  dio cuenta que había sonidos que se acompañaban bien, en tanto que había los que se estorbaban, los que sonaban mal. Así se creó la ciencia de las tonalidades, la armonía, que es el elemento que más contribuyó al enriquecimiento estético de la música y que, también, es el que más ha cambiado en el curso de los tiempos, porque los grupos de sonidos, acordes o escalas, que un tiempo sonaron mal, después sonaron bien, hasta llegarse a pensar que cualquier combinación podía ser buena, lo que es el atonalismo. El auge de la armonía, que predominaba sobre los otros elementos de la música, se dio en la época del barroco. Fue música muy bella, de una trama sonora muy rica.

Para que se diera la perfección en la música clásica, hubo de aparecer la dinámica, que se refiere a los cambios de volumen y de tiempo dentro de una pieza corta, una canción, una danza. Este elemento es muy nuevo; lo introdujeron los hijos de Johann Sebastian Bach después de 1750. Así, la música estuvo completa, por lo menos en lo que se refiere al quehacer estético, pues todo lo demás han sido variaciones sobre el mismo tema.   


jueves, 15 de octubre de 2026

INTERMEZZO 137. SYLVIA MACÍAS ORDÓÑEZ






Una vez más, una reja
    que se abre a la belleza ...

  ... urbana, naturalista  y conservadora ...

  
                                                             
                                                         ... o moderna y festiva.                 

                           
                                         Se abre a los higos que se bañan y perfuman ...

                                                                                                       
 

                                                           ... y a las flores que cautivan.



  
                                                                                                                                  










Los cables eléctricos
no estorban a la fotografía.  Son parte del paisaje moderno





























































Y como en todo pueblo que se respete ...

 "A cada capillita le llega                     su fiestecita"

lunes, 12 de octubre de 2026

¿QUE HACE UN DIRECTOR DE ORQUESTA?

 





El maestro Luis Herrera de la Fuente
 (1916 - 2014), dirigiendo un ensayo
 con la Orquesta Sinfónica de Xalapa


La presente es una entrada que reproduce parcialmente una entrevista que la doctora Sylvia Ordóñez  Martínez (SOM) realizó al maestro Luis Herrera de la Fuente (LHF), notable director que fue, entre otras instituciones orquestales, de la Orquesta Sinfónica Nacional de México, de la Orquesta Sinfónica de Xalapa y dos años del Festival Internacional de Música de Morelia. En uno de esos dos años concedió una entrevista histórica a la doctora Sylvia Ordóñez que se publicó en los medios culturales de Morelia y otras ciudades mexicanas.

El día de hoy, en esta entrada reproducimos la parte medular de esa entrevista, bajo el título de 

¿Que hace un director de orquesta?

                                          . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 


SOM: Maestro, ¿que hace un director de orquesta?

LHF: Para que los miembros de una orquesta afinen juntos, toquen juntos, vayan al mismo tiempo, se necesita un señor que esté ahí marcando de manera que no cada individualidad camine por sí misma, sino que tenga un centro de gravedad, que es el director de orquesta. Centro de gravedad en acción. En realidad, eso no es más que un elemento.

Lo primero que tiene que hacer un director no está ahí, sino mucho antes. Está dentro de sí mismo. Lo que el tiene que percibir de una partitura. Antes de pararse en el pódium debe tener la imagen de lo que debe sonar. En cuanto al movimiento, al énfasis, al tempo. Cada director tiene un enfoque distinto y una forma distinta de actuar. En lo personal, lo primero a lo que me expongo, yo mismo, es a una apertura de los poros. Los intelectuales, los sensoriales, los físicos, los biológicos. De un casi poner la sensibilidad y el sistema en el filo de la navaja, para tratar de que esa música estricta me diga qué quiere ser ella. De manera que uno pueda poner, ya en el pódium, los elementos para que esa música se produzca ella.

En primer lugar, el tempo y el movimiento. La dificultad mayor en la "interpretación" es el movimiento de la música. El tempo es la velocidad a la que se toca la música. El movimiento, dentro de esa velocidad, es el como se mueve.

Es decir, si usted y yo caminamos veinte metros y partimos juntos y llegamos juntos, hemos caminado esos veinte metros al mismo tempo. Sin embargo, yo me voy a mover de una manera y usted de otra. Entonces, condición sine qua non, porque ahí está el origen de la música: ¿a que tempo se debe tocar una música?, y ¿en que tipo de movimiento? ¿Qué se debe hacer para que el movimiento que la música reclama se pueda producir sin que uno la ahogue, sin que uno la violente, sin que uno dé un énfasis mayor del que se debe tener, pero al mismo tiempo, sin que uno evite que el énfasis que debe tener se produzca..,? Es una tarea, según yo, imposible. A veces se producen milagros.

Uno parte de una percepción de lo que la música nos pide; no lo que me dice ni lo que me emociona; no lo que me hace sentir. No. Lo que me pide para ser ella. El auditorio sí, se puede sentar ahí y pedirle a la música, o simplemente abrir sus poros a su vez y ver que le da la música. En la música hay una identidad de energía, de melodía y armonía, que aunque este mal hecha, tiene el poder suficiente para comunicar algo. Ese es el fenómeno musical. La música de altos valores, la que está producida por esos individuos que tienen esa formidable energía, los grandes compositores, de cualquier manera que esté interpretada va a decir algo a la gente. ¿Y en que consiste todo eso? Pues en la capacidad del que está dirigiendo. De hacer que la orquesta toque bien afinada, justo a tempo, que mida bien sus notas. De permitir que la elocuencia de la música opere ante un auditorio. ¿Qué tiene que hacer un intérprete? Crear lo necesario para que el fenómeno musical se produzca en plenitud.

SOM: ¡Gracias, maestro Luis Herrera de la Fuente!